Bienvenida

                                                                      W. Kandinsky                                                          
                                                              Obra Preferida del Curso


    Este blog es un proyecto que a lo largo de un semestre, recopiló las noticias más relevantes del arte del periódico The New York Times; El objetivo de éste, es difundir la cultura del arte, el interés por comprender los trasfondos de cada obra y cada movimiento.

    A continuación podrás encontrar todos los artículos estudiados a la derecha de la página principal, con el título del artículo original. Este compendio esta formado por:

*9 Artículos de The New York Times con su respectivo análisis
*2 relatos y análisis de exhibiciones del Museo Marco
*1 estudio del artista contemporáneo (Rafael Lozano H.)

   Espero que sea de su total agrado.

Rafael Lozano Hemmer

Rafael Lozano Hemmer es un  gran artista  mexicano, que realiza instalaciones siguiendo una tendencia de arte conceptual, es uno de los artistas contemporáneos más importantes de la actualidad en México. Es fiel al pensamiento en el cual el espectador participa en la obra de arte, y que la interacción del mismo con las obras es donde se realiza el verdadero arte. Cada quien es diferente por lo que sus interacciones crearan diferentes sentidos a la obra.  Utiliza mucha tecnología moderna para la creación de sus instalaciones, en sus últimas obras utilizo un sistema de tracking para crear el efecto que la obra te seguía. Muchas veces hace uso de estos para referirse a los sistemas de vigilancia con los cuales nos topamos cada vez más comúnmente en nuestras vidas, es como una crítica al excesivo control que tienen sobre nosotros algunas empresas y gobiernos.

Para realizar este ensayo visité su pagina de internet, http://www.lozano-hemmer.com, en su página presenta videos de algunas de sus obras, así como también una biografía y textos creados por él. La página es muy completa y muy bien diseñada, lo que nos muestra que él se siente muy cómodo con la tecnología y la utiliza mucho a su favor.

Rafael Lozano Hemmer nació en la Ciudad de México en 1967. En 1989 se graduó en licenciatura en Química Física de la Universidad Concordia en Montreal, Canadá.  Desarrolla instalaciones interactivas que se encuentran en la intersección de la arquitectura y el arte de la performance. Su interés principal está en la creación de plataformas para la participación pública, la perversión de tecnologías como la robótica, la vigilancia computarizada y las redes telemáticas. Inspirados en la fantasmagoría, el carnaval y la animatrónica, su luz y sombra son las obras "antimonumentos para la agencia extranjero". 

Su trabajo ha sido desarrollado para eventos como las celebraciones del Milenio en la Ciudad de México (1999), la Capital Cultural de Europa en Rotterdam (2001), las Naciones Unidas de la Cumbre Mundial de Ciudades en Lyon (2003), la apertura del Centro YCAM en Japón (2003), la ampliación de la Unión Europea en Dublín (2004), el memorial de la masacre de Tlatelolco de estudiantes en la Ciudad de México (2008), el 50 º aniversario del Museo Guggenheim de Nueva York (2009) y los Juegos Olímpicos de Invierno en Vancouver ( 2010). 

Su escultura cinética, entornos interactivos, instalaciones de vídeo y fotografías han sido expuestas en museos de cuatro docenas de países. En 2007 fue el primer artista en representar oficialmente a México en la Bienal de Venecia con una exposición individual en el Palacio Soranzo Van Axel. También ha demostrado en Bienales de Arte de Sydney, Liverpool, Shanghai, Estambul, Sevilla, Seúl, La Habana y Nueva Orleans. Su obra está en colecciones públicas y privadas como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la colección Jumex en México, el Museo de Arte de 21 de siglo en Kanazawa, la Fundación Daros en Zurich y Tate en Londres. 

Ha recibido dos premios BAFTA de la Academia Británica Premios al Arte Interactivo en Londres, una Nica de Oro en el Prix Ars Electronica en Austria, una distinción en los premios SFMOMA Webby en San Francisco, "Artista del año" premio Rave de Wired Magazine, una Rockefeller comunión, el Trophée des Lumières de Lyon y un premio Bauhaus en Dessau.

Ha impartido numerosos talleres y conferencias, entre ellas en el Goldsmiths College, la escuela de Bartlett, Princeton, Harvard, la Universidad de Berkeley, Cooper Union, MediaLab del MIT, el Museo Guggenheim, el MOCA de Los Ángeles, Instituto de Arquitectura de Países Bajos y el Instituto de Arte de Chicago. Sus escritos han sido publicados en Kunstforum (Alemania), Leonardo (EE.UU.), el rendimiento de Investigación (Reino Unido), Telepolis (Alemania), Movimiento Actual (México), Archis (Países Bajos), Aztlán (EE.UU.) y otras obras de arte y publicaciones de los medios de comunicación.

A continuación analizaremos dos obras de este gran artista. Siendo estas las que más me llamaron la atención. Primero analizaremos  la obra Standards and Double Standarts creada en 2004, utilizo cinturones de cuero, motores, cámaras de seguridad y un sistema tracking. La obra consta de 35 cinturones de cuero suspendidos a la altura de la cintura, que con cámaras de seguridad y un sistema de rastreo siguen el movimiento de los espectadores.

El énfasis de esta obra, son los cinturones. Es una textura real. En esta obra podemos destacar que tiene ritmo,  ya que son varios cinturones acomodados. Tiene un balance formal ya que existe simetría en ella.

 La interpretación que le encuentro a esta obra, es básicamente una crítica a la sobre seguridad y la falta de intimidad que experimentamos cada vez más en un mundo que cuenta con nuevas tecnologías en esta área. Los cinturones representan todas esas personas que tal vez nosotros no podemos ver pero ellos sin nos pueden ver a nosotros por lo que si te mueves, los cinturones te siguen. Muchas veces esto pasa con las cámaras de seguridad o con la localización por satélite que ya no es ninguna novedad en nuestra época.

Segundo analizaremos la obra Pulse Spiral, creada en 2008. Utiliza un sensor de pulso, computadora, un controlador DMX, software personalizado, 400 bombillas incandescentes y un generador. En esta obra observamos una espiral de 400 bombillas suspendidas en el aire, acomodadas de acuerdo a la ecuación de Fermat. La pieza guarda y responde al pulso de cada participante que sostiene un sensor en la parte de abajo. El énfasis de esta obra es el espiral. El balance es formal ya que observamos simetría en la obra. Esta obra tiene ritmo ya que se repiten las bombillas.

La interpretación de esta obra según mi opinión, es que el artista trata de externar por medio de la tecnología los diferentes sentimientos y emociones de los participantes. Por esto la obra graba el pulso de cada quien y realiza una serie de encendido y apagado de las bombillas para cada pulso, con esto podemos ver los diferentes estados de ánimo, por ejemplo si alguien está emocionado o excitado su pulso va ser más acelerado y esto lo podrá externar por medio de las bombillas que se encenderán y apagaran más rápido según el pulso.

En conclusión, Rafael Lozano, es uno de los artistas mexicanos más importantes, con varias exposiciones internacionales. Me gustó mucho el uso que le da a la tecnología para la realización de sus obras, ya que cada día el mundo se va modernizando y con él vemos una nueva tendencia de arte que va de acuerdo a la constantemente evolutiva tecnología.  También es un artista que cree fielmente en que el arte no es solo la belleza plástica, sino más bien la idea que puedes transmitir por el arte y mucho más si la puedes transmitir por medio de la interacción de espectador con la obra de arte, ya que él se verá involucrado con la obra a un nivel más profundo a que si solamente viera una pintura en la pared. Debemos apoyar a estos grandes artistas que ponen en alto el nombre de México.

Ron Mueck

La exposición de Ron Mueck es algo que nunca antes había visto jamás, la verdad no esperaba que me fuera a asombrar de esa manera. A primera impresión es una exposición de esculturas, desde la primera sala entras y te das cuenta que las obras son todas esculturas pero sobre todo que las obras tienen texturas reales y lo que más te asombra es la perfección de las mismas, las obras parecen ser casi reales de no ser por sus dimensiones diferentes. Lo que me gusto mucho y me llamo mucho la atención fue que al principio de la sala hay un ejemplo de las esculturas donde te permiten tocar para que tengas una idea de la textura y del material con el cual estas fueron creadas, esto me gusto mucho porque te da una idea de la realización de las mismas y la complejidad y el detalle de su creación. Hubo muchas obras que llamaron mucho mi atención por la delicadeza de sus detalles, ya que cada cabello humano parecía estar perfectamente diseñado e instalado. Una de las cosas que me llamaron mucho la atención fue que la mayoría de las personas eran de raza anglosajona solamente se expuso una obra de raza negra, supongo que esto se debe a la comunidad por la que se ve rodeado el autor.

Asistí al museo el jueves 21 de marzo, específicamente para visitar la exposición de Ron Mueck y Joseph Beuys de esa manera poder elaborar este análisis. Actualmente se exhiben Beuys y más allá, El enseñar como arte, patio de esculturas, Dominique Lemiuex y la exhibición de Ron Mueck. Las primeras tres en la planta baja del museo. La planta alta se encuentra actualmente la exhibición de Ron Mueck. En este análisis nos enfocaremos en la exposición de la planta alta de las salas 6 a la 11 del museo, Ron Mueck, que cuenta con 11 obras y las técnicas utilizadas fueron Escultura y técnica mixta.

Nació en Australia en 1958, en el seno de una familia de jugueteros alemanes de Melbourne, con quienes creció entre muñecos de guiñol y disfraces. Eventualmente, sin ninguna clase de formación profesional, Mueck inició una carrera en la fabricación de modelos para cine, televisión y publicidad. Trabajó sobre todo para programas infantiles como Shirl’s Neighborhood en la televisión de Melbourne y Plaza Sésamo. En 1984 se unió a Jim Henson, creador del  Show de los Muppets, para quien también creó las marionetas de las películas Dreamchild (1985) y Laberinto (1986), protagonizada por David Bowie y Jennifer Conelly. Incluso prestó voz a uno de los personajes de la película. 

En la actualidad, está casado con Caroline Willing, hija del artista Victor Willing y la pintora portuguesa Paula Rego. A decir verdad, fue Rego quien, tras ver a su yerno construir la figura de un dragón en la arena para sus hijas, le pidió que creara un modelo de «Pinocho» que pudiera utilizar en su pintura The Blue Fairy Whispers to Pinocchio (1996). Esta fue la pieza con la cual se topó el coleccionista británico Charles Saatchi, promotor de artistas contemporáneos como Damien Hirst y Tracey Emin, quien solicitó a Mueck la elaboración de nuevas piezas, como Ángel y Máscara.

El entusiasmo de Saatchi por las figuras de Mueck catapultaría al artista australiano a Los Ángeles y, posteriormente, a Londres. Por otra parte, una de las primeras piezas que Mueck ofreció al coleccionista fue Padre muerto, una escultura a un tercio de escala real de la figura desnuda de un hombre muerto, exhibida en 1997 en la muestra Sensation: Young British Artists from the Saatchi Collection, que tuvo lugar en la Royal Academy of Art  de Londres, para luego presentarse en el Brooklyn Museum of Art de Nueva York.  Esta y otras exposiciones, así como la creciente lista de coleccionistas interesados en su obra, ayudaron a consagrar a Ron Mueck como un valor a la alza en relativamente poco tiempo. Cinco años después de la exposición Sensation, el artista australiano representó a su país en la Bienal de Venecia 2001, donde logró notable éxito con Niño en cuclillas, una gigantesca figura de casi cinco metros de altura de un adolescente en cuclillas.

  Desde entonces ha realizado numerosas esculturas en silicón y fibra de vidrio. En cuanto a sus exposiciones, su obra se mostró en solitario en el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington DC en 2002. En esa ocasión mostró su escultura Hombre grande. Sus exhibiciones más recientes tuvieron lugar en el Museum of Contemporary Art de Sidney y en The National Gallery de Londres, en la cual presentó Mujer embarazada, una escultura de dos metros que fue adquirida por la National Gallery of Australia.

Las personas de Mueck, así le podemos llamar a su exposición, ya que nos muestra a diferentes tipos de personas, haciendo diferentes actividades en escalas muy diferentes, con un realismo increíble. En las obras de Mueck identificamos un hiperrealismo extremo, ya que cada detalle en sus esculturas está perfectamente realizado. Esta exposición está a mi criterio por selección del artista o por cómo se ven las obras con los diferentes tamaños de salas, ya que esta no sigue un orden cronológico. La primera obra es la de la máscara II, que desde el principio te impacta con su gran escala.

A continuación analizaremos dos obras de esta exposición, siendo estas las que más me gustaron e impresionaron. Primero analizaremos  la obra A la deriva  de 118 x 96 x 21 x cm, creada en 2009 es una escultura de técnica mixta. Esta obra es parte de la colección John y Ami phelan. Es un hombre en traje de baño hawaiano, que se encuentra acostado sobre un flotador verde, está utilizando gafas de sol, tiene un reloj en su mano izquierda y una liga en su mano derecha, en su cuello una cadena y esta sin playera.

El énfasis de esta obra, es definitivamente las el hombre en el flotador. Podemos observar que la obra cuenta con una textura real, la textura del hombre es hiperrealista ya que cuenta hasta con cabello, yo creo que este es el verdadero enfoque de la artista. En esta obra no tiene ritmo y no tiene unidad ya que forma parte una colección pero no una serie, el balance de esta obra es informal ya que no vemos simetría en ella.

 La interpretación que le encuentro a esta obra, es el de una vida sin responsabilidades eso es lo que me transmite este hombre que parece estar tomando el sol, con sus gafas puestas, y con su reloj grande y bonito te da un sentido que este tiene dinero y por lo cual no tiene preocupación. Como una vida de relajación y sin ningún compromiso serio. La obra se llama a la deriva por lo cual podemos inferir que este hombre no tiene ninguna dirección en su vida y se encuentra en un momento de negación y despreocupación. Como si hubiese tomado una decisión incorrecta y ahora no sabe avanzar y ese mismo miedo es el que lo tiene sin poder tomar la decisión de a donde ir a continuación por lo cual está a la deriva.

Segundo analizaremos la obra Juventud, creada en el 2009 es una escultura de técnica mixta y de dimensiones 65 x 28 x 16 cm. En esta obra observamos a joven de raza negra, con unos jeans azules mostrando su bóxer. Tiene una playera blanca y de un costado tiene una cortada, la cual está sangrando, su playera se mancho de sangre. El énfasis de esta obra es el joven, pero tiende a llamar más la atención la cortada que tiene en el costado. El balance es informal ya que no observamos ninguna especie de simetría en la obra. La textura es real. Esta obra carece de ritmo ya que no se muestra ningún dibujo repetido o consecutivo. Podemos decir que no tiene unidad ya que  hay una serie de obras similares. 

La interpretación de esta obra según mi opinión es una crítica de la sociedad joven actual, que está metida en problemas de delincuencia y violencia, es niño tiene ropa que parece callejero, pero a pesar de eso, por a dimensiones de la obra y por su expresión, te transmite cierta ternura, por lo que puede ser que este joven haya sido víctima del clima de inseguridad que lo rodean en las grandes ciudades, donde hay mucho problema de pandillas o maras.

Mueck se ha ganado un lugar sobresaliente en la escena del arte mundial en relativamente poco tiempo gracias a la impresionante similitud en los detalles de la anatomía de sus personajes que nos lleva a reflexionar sobre lo que es real y lo que es ficción.

Beuys y más allá, El enseñar como arte.

La exposición de Joseph Beuys es muy diferente a las exposiciones analizadas anteriormente en el curso. A primera impresión es una exposición totalmente de arte conceptual, desde la primera sala entras y te das cuenta que las obras no son visualmente bonitas y perfectamente acabadas, sino más bien son obras que retan tu intelecto y te llaman a tratar de entenderlas, ya que si solo las ves sin analizarlas no puedes encontrarle sentido. Lo que me gusto mucho y me llamo mucho la atención fue que se expusieron no solo obras de Joseph Beuys sino también de otros artistas que siguen la misma corriente que Beuys, esto fue totalmente inesperado pero me gusto porque pude comparar los diferentes estilos de los artistas de un mismo movimiento y ver sus diferencias y similitudes. Hubo muchas obras que llamaron mucho mi atención y que despiertan una gran curiosidad por entender que estaban tratando de expresar. Otra de las cosas que me llamaron mucho la atención fue que ella utilizó diferentes técnicas para crear las obras, cada artista tiene una técnica única que los hace diferentes de los demás.

Asistí al museo el jueves 21 de marzo, específicamente para visitar la exposición de Joseph Bueys y Ron Mueck de esa manera poder elaborar este análisis. Actualmente se exhiben Beuys y más allá, El enseñar como arte, patio de esculturas, Dominique Lemiuex y la exhibición de Ron Mueck. Las primeras tres en la planta baja del museo. La planta alta se encuentra actualmente la exhibición de Ron Mueck, un gran escultor contemporáneo. En este análisis nos enfocaremos en la exposición de la planta baja de 5 salas del museo, Joseph Bueys, que cuenta con más de 100 obras y las técnicas utilizadas fueron dibujo, fotografía, grabado, collage, acuarela, tinta, oleó, entre otras.

Joseph Beuys nació en Krefeld, Alemania, el 12 de mayo de 1921. Durante la Segunda Guerra Mundial fue piloto de un bombardero; en el invierno de 1943 su avión se estrelló en Crimea. Beuys relata sobre esta situación relata la forma en que los tártaros le salvaron la vida al envolverle el cuerpo con grasa y fieltro, lo que explica la aparición recurrente de estos materiales en su obra. Participó en múltiples misiones de combate y posteriormente, en 1945, fue hecho prisionero en Gran Bretaña hasta 1946. 

En 1947 Joseph Beuys ingresó a la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf, Alemania, donde estudió pintura y escultura hasta 1952. A partir de 1955, aproximadamente, vivió como ermitaño y trabajó como peón en una granja. Pero su necesidad de continuar con la labor artística le llevó a regesar a Düsseldorf, en 1961, ahora como docente de escultura, aunque fue expulsado en 1972 por apoyar a estudiantes radicales. Seis años más tarde fue readmitido por la Academia de Arte y continuó con su labor de enseñanza. 

Sus esfuerzos a favor de la democracia directa, el medio ambiente y otras causas similares incluyeron la utilización de un local de la Documenta de Kassel en 1972 como oficina, la presentación, sin éxito, de su propia candidatura para el Bundestag  –cámara del Parlamento– en 1976 y la organización de una campaña para plantar árboles en Düsseldorf.  Estas vivencias fueron fundamentales para el cambio más importante de sus paradigmas artísticos, el desplazamiento del  centro de interés creativo. El muere en 1986 en Alemanía.

La cátedra de Joseph Bueys le podemos llamar a su exposición, ya que nos muestra su manera de enseñanza y también podemos ver las obras de sus alumnos que fueron inspirados por muchas creencias transmitidas por Bueys. En las obras de Bueys podemos ver gran influencia Dadaista esto obviamente ya que él era una activo miembro del grupo fluxus, quienes dudaban de lo clásicamente concebido como arte y cuestionaban que el arte fuera únicamente la belleza plástica, como lo  podemos ver en su obra él no se centra en la belleza y la perfección de sus obras sino más bien en la idea que trata de transmitir. Esta exposición está acomodada por artista y están separadas en cinco diferentes salas. Comenzando con las obras de Joseph Bueys en la entrada y luego ya pasando a las obras de sus estudiantes. Cada una con un estilo y temática diferente que hacen de esta exhibición muy dinámica, atractiva e intelectualmente retadora.

A continuación analizaremos dos obras de esta exposición, siendo estas las que más me llamaron la atención, impresionaron o cautivaron mis emociones. Primero analizaremos  la obra Cisnes creada en 1953 es una acuarela, barniz y lápiz sobre papel. Esta obra es parte de la colección de cisnes, las cuales hay tres obras similares. En la obra podemos ver un fondo color piel palido don unas manchas más oscuras de color café y puntos negros, sobre esto tres manchas de color blanco que tienen la forma de unos cisnes. Las formas no están muy bien marcadas y el contorno de la obra no es parejo ni recto. 

El énfasis de esta obra, es definitivamente las manchas blancas en forma de cisne. Podemos observar que la obra cuenta con una textura simulada, la textura de los cisnes se ve resaltada que el resto de manchas en la obra, ya que este es el verdadero enfoque de la artista. En esta obra podemos destacar que tiene ritmo,  ya que son varias manchas y cisnes en la obra. Esta obra no tiene unidad ya que forma parte de toda una colección, el balance de esta obra es informal ya que no vemos simetría en ella.

 La interpretación que le encuentro a esta obra, es básicamente la interpretación de los cisnes, Joseph Bueys siempre se vio rodeado de la segunda guerra mundial, y aparte fue rehén durante un tiempo, por lo que siento que con los cisnes está hablando de una etapa postguerra. Los cisnes pueden significar, paz, tranquilidad y una especie de pureza. Que se encuentra rodeado de toda la suciedad que puedes ser como elementos traumaticos de la post guerra, que muchas personas sufrieron y nunca pudieron ser las mismas.

Segundo analizaremos la obra para blinky, sin año creado en offset sobre papel según una fotografía.En esta obra observamos a dos hombres uno fumando un cigarro con un sombrero muy característico y un traje formal. El otro hombre esta recostado sobre el hombro del primero, se encuentra con los ojos cerrados como dormido. El énfasis de esta obra son los dos hombres, pero tiende a llamar más tu atención el que se encuentra dormido. El balance es informal ya que no observamos ninguna especie de simetría en la obra sino más bien son dos dibujos independientes. Los colores de la obra son una escala de  grises, siento que con esto trata que el color no sea  parte importante de la obra. La textura es una textura simulada. Esta obra carece de ritmo ya que no se muestra ningún dibujo repetido o consecutivo. Podemos decir que no tiene unidad ya que  hay una serie de obras similares. 

La interpretación de esta obra según mi opinión es una dedicatoria literal para uno de sus estudiantes, Blinky Palermo fue uno de los estudiantes más sobresalientes de Beuys. En esta obra está con los ojos cerrados, mi interpretación de esto es que Blinky tenía los ojos cerrados, pero como un símbolo de ojos cerrados al conocimiento y tal vez de ingenuidad. Y que fue gracias a Beuys que el abrió los ojos a un nuevo mundo de arte, con toda una nueva mentalidad. También en la obra podemos ver como Blinky se recarga en el, como si necesitara de él como maestro para que lo guie y conforte.

En conclusión, Beuys es una gran artista que logra expresar a través de sus obras sus diferentes creencias y métodos de enseñanza. Siempre siendo fiel educar y transmitir su manera de pensar, el siempre cuestiono el arte y la manera de representarlo.  Beuys tuvo una vida muy conflictiva y paso por muchas dificultades pero todo esto le ayudo a inspirarse y crear su arte. Su mayor tarea fue utilizar el arte como mejor medio para transmitir ideas concretas. Yo creo que su mayor gozo sería ver las obras de sus estudiantes como todo un éxito.

3-D Glasses Are Not Just for Movies Anymore

Fecha: 15 de marzo de 2011

Autor: Steven McElroy

URL: http://www.nytimes.com/2011/03/20/nyregion/0320spotli.html?scp=1&sq=3-D+Glasses+&st=nyt

Resumen

A pesar de que la película “Marte necesita mamas” se quedo corta en la venta de boletos, es justo decir que el entretenimiento 3-D permanece popular. Pero la salas de cine no son el único lugar donde un par de lentes 3-D ayudan al espectador a aumentar la experiencia visual.

La exhibición “3-D Phenomena: Where art and Science Converge” en el art center de Great Neck.  El show creado por Georgia Vahue, el director de la galería, presentara 40 piezas creadas por Mr.Lederberg y su esposa.  Ambos artistas pintan imágenes complejas y coloridas que gradualmente revelan capas adicionales a los espectadores por medio de 3-D.

Ambos artistas dicen estar interesados en la convergencia de arte y ciencia. Su trabajo está influenciado por las enseñanzas de Kabbalah y su curiosidad científica.  Su trabajo ha sido llamado psicodélico gracias a sus antecedentes de creador de películas en 1960.

Reflexión y Opinión

Creo que el arte está siempre en constante innovación, y esta puede ser la siguiente etapa o el siguiente movimiento artístico que viva la humanidad. Hay que apoyar a estos pioneros de arte ya que encuentran una manera diferente de transmitir sus emociones y sentimientos. 

Creo que esta puede ser una invitación para muchos artistas a que utilicen esta nueva técnica, para que puedan transmitir sus ideas de una nueva y novedosa manera y así expresen otra dimensión de sus sentimientos.

Iraqi Artists, Actors and Designers Try to Build New Lives in Jordan

Fecha: 6 de marzo de 2011

Autor: Rana  F. Sweis

URL: http://www.nytimes.com/2011/03/24/world/middleeast/24iht-m24-jordan.html?scp=1&sq=Iraqi%20Artists,%20Actors%20and%20Designers%20Try%20to%20Build%20New%20Lives%20in%20Jordan&st=cse

Resumen

Esta noticia cuenta la historia de pueblo iraquí, que se vio forzado a emigrar a Jordania a causa de la guerra, huyendo de todo el peligro que existe en su país natal. Habla de cómo en Jordania ellos no cuentan con un hogar y la incertidumbre de lo que será su vida futura. 

Actualmente se encuentran aproximadamente 450,000 iraquís en Jordania. Jordania es su hogar temporal hasta que sea seguro que regresen a su casa en Iraq. Pero muchos iraquís están haciendo más que solo esperar, y a pesar de que todos vienen de diferentes clases sociales, un grupo en particular de artistas, músicos, actores, escritores e intelectuales han participado en exhibiciones u obtenido parte en películas y obras de teatro.

Lutfiya al-Dulaimi, una novelista Iraquí publico su libro “Women Removed” que cuenta la historia de una mujer que sufre los ataques en Bagdad. También la galería Orfali en Amman expone obras iraquís y fue establecida por un coleccionista de arte iraquí Inaam Orfalí.

Al final, los artistas han encontrado galerías, los actores han encontrado roles y las escritores han encontrado paz.

Reflexión y Opinión

La guerra en un país puede tener consecuencias desastrosas para una sociedad.  Pero también puede ser fuente de inspiración para muchos artistas y escritores. El pueblo iraquí tuvo que huir de su país natal para sobrevivir los peligros que existían en Iraq. Lo bueno es que muchos de ellos no solo se fueron y se quedaron de brazos cruzados sino más bien se pusieron a trabajar, muchos artistas expusieron en galerías de arte y escritores publicaron libros. Esto es muy positivo ya que a pesar de estar en otro país ellos pueden preservar su cultura y su manera de hacer arte. Yo creo que es muy importante que los artistas creen arte y libros en estos momentos para grabar en la historia esta etapa que está pasando el pueblo iraquí y que puedan expresar todos los sentimientos y emociones que están viviendo.

Centennial Celebration for a Special Collection

Fecha: 25 de febrero de 2011

Autor: TAMMY LA GORCE

URL: http://www.nytimes.com/2011/02/27/nyregion/27spotnj.html?scp=5&sq=art&st=nyt

Resumen

Katherine Anne Paul, curadora del Newark´s Museum Arts of Asia Collectios, dice que cuando ella viaja por el mundo investigando el arte tibetano, ella observa más cosas sobre el Newark´s Museum que cualquier otro.

El museo fue el primero en el mundo en presentar una exhibición dedicada únicamente al arte tibetano, en 1911. Uno de los eventos más importante fue una visita por parte del Dalai Lama cuando este se encontraba en la ciudad para un encuentro educacional.

El museo tiene 5 galerías permanentemente dedicados al exhibir arte tibetano, las cuales están siendo reinstaladas como celebración del centenario. Todas las 5 galerías están acomodadas alrededor de un altar tibetano, el cual el Dalai Lama consagro en 1990.

El 5 de marzo se inaugura una exhibición temporal que coincide con el nuevo año tibetano de losar. La exhibición se llama Tsongkhapa- La vida de un visionario tibetano.

En el bazar, los visitantes pueden comprar alfombras, muebles, joyería, música tibetana e incienso de vendedores. Todo para apoyar el arte tibetano y el museo.

Reflexión y Opinión

En mi opinión yo creo que es muy bueno que se le dedique un museo completo al arte tibetano, ya que ellos tienen todo el derecho de exhibir y hacer público su arte como cualquier otra persona. También es una oportunidad para el pueblo de Estados Unidos a que conozca y se ponga en contacto con esta gran cultura, que geográficamente se encuentra muy distante, pero que tiene gran presencia mundial.

Creo que fue fantástico que el Dalai Lama haya visitado el museo y más aun que haya consagrado el altar, ya que esto le da solvencia a todo el museo, aparte de mucha publicidad y lo hace único en el mundo.

Yo creo que es muy importante conocer este arte que tiene miles de años de antigüedad, aparte es sumamente espiritual por lo que podría ser una experiencia muy positiva para la gente, para relajarse y descubrir sentimientos y emociones nunca antes expuestos.